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Art Montjoie
POUR LES YEUX ET L’ESPRIT
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POUR LES YEUX ET L’ESPRIT
L'art au cœur de Montjoie
Le Domaine de Montjoie expose près de 200 œuvres contemporaines de manière permanente (peinture, sculpture, photographie,...) mettant en avant de nombreux artistes régionaux et nationaux. Les œuvres ornent les bâtisses, les chambres et le parc, afin de susciter la curiosité du voyageur.
Vous souhaitez vous procurer une œuvre ?
La plupart des œuvres exposées sont disponibles à la vente au prix atelier (sans marge). Nous pouvons vous mettre en relation avec les artistes, l’achat des œuvres d’art s’effectue ensuite directement auprès des artistes. Un certificat d’authenticité de l’œuvre vous sera délivré par l’artiste lui-même lors de la conclusion de la vente.
”Posant son sac rempli des préoccupations matérielles du quotidien, chaque visiteur de Montjoie profite de l’ouverture de l’âme offerte par le travail de nos anciens architectes bâtisseurs et jardiniers paysagistes et peut alors ouvrir son esprit aux cultures du monde.
Hubert FaurePrésident Fondateur du Domaine de Montjoie
Les artistes exposés à Montjoie
La majorité des œuvres exposées proviennent du Collectif FACTO, comprenant une vingtaine d'artistes plasticiens originaires de Toulouse, qui ont décidé de se regrouper et de mettre en commun leurs idées et leur savoir-faire. Leurs objectifs : s’inscrire pleinement dans le champ artistique actuel, et établir une passerelle entre l’Art dit Néoclassique et l’Art dit Contemporain. D'autres artistes indépendants ont rejoint la galerie du Domaine de Montjoie au fur et à mesure.
LES ARTISTES
LES ARTISTES
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LES ARTISTES
LES ARTISTES
Formé à la ferronnerie d'art ainsi qu'aux métiers artistiques et culturels, Farid Achezegag s'est naturellement tourné vers la sculpture. Nourri par l'univers des comics américains, les mythologies, inspiré par César et Palolo Valdès, il choisit l'acier comme matériau de prédilection. Se sont rapidement rajoutés à ce dernier des galets glanés en bord de mer et rivières. Ses personnages constitués de multiples pièces s'apparentent à des puzzles en trois dimensions. Aujourd'hui, il partage son temps entre ses sculptures et la construction de décors pour le théâtre du Capitole de Toulouse.
Françoise ANGIBAUD s'adonne à la peinture après une carrière dans la haute couture qui pour elle est devenue une deuxième passion. Autodidacte, elle a fréquenté des ateliers toulousains : Kraft, Les Artistes Occitans, l'Atelier M. Coste où elle apprend le figuratif. De son métier elle garde l'assurance du geste, le sens des formes et des volumes. Elle peint comme elle parle, avec joie, chaleur et spontanéité. A travers ses toiles, on retrouve sa passion, son énergie créative et son talent de coloriste.
Ce triptyque de panneaux d'organdi en coton a été réalisé avec les techniques japonaises de teinture peint main katazome, tsutsugaki et sugaki. Ces techniques de teinture à main levée et à la réserve font entre autre intervenir l'emploi de pochoirs et de cornet pour appliquer une pâte de riz sur le textile avant peinture afin de tracer une partie des motifs. "La Fleurée" désigne l'état sous lequel le pigment indigo du pastel se forme à la surface de la cuve de teinture après brassage.
Un beau matin de mars 2019, Jean-Louis Capou se réveille avec une envie de peindre. Depuis autodidacte, sa "peinture vibratoire" naît avec une palette constituée de couleurs primaires. Ses peintures sont exécutées à l’acrylique au couteau et/ou à la spatule majoritairement dans le frais, laissant pleinement guider le spectateur dans la spontanéité par le geste dans l'espace et le temps. Traces, ombres, empreintes et juxtaposition de plusieurs espaces qui s’imbriquent et vous ouvrent ainsi l’accès à d’autres dimensions. Son œuvre est ouverte à toute interprétation, à toute sensation. Et vous... Que voyez-vous ?
Jean-Pierre Fontes laisse libre cours à ses sentiments et ses pensées pour créer des œuvres uniques qui reflètent son état d'esprit sur le moment. Ce sont les émotions et non la réflexion qui habitent ses toiles.
"Je travaille mes toiles avec des couleurs vices et des aspérités qui les constellent pour créer des œuvres qui sont à la fois esthétiques et expressives. Certains peuvent voir apparaître ici ou là des formes ou des images telles des illusions ou des mirages".
"Je travaille mes toiles avec des couleurs vices et des aspérités qui les constellent pour créer des œuvres qui sont à la fois esthétiques et expressives. Certains peuvent voir apparaître ici ou là des formes ou des images telles des illusions ou des mirages".
Denis Grué, artiste Franco-Américain, est né en 1962. Il a étudié l’art dans une association privée d’artistes régionaux et le dessin industriel. Diplômé de l’école de Saint Gobain-Pont à Mousson puis Ingénieur du son - Régisseur Lumière. Après quelques années en bureau d’études et dans le spectacle vivant, Denis est retourné à ses premiers amours que sont le dessin et la peinture. Le concept de ses toiles est déterminé par des couleurs vibrantes et primaires, avec des courbes, des lignes mais aussi des formes abstraites pouvant ressembler à de la figuration abstraite et géométrique.
Kellestom, artiste peintre, diplômée des Beaux-Arts de Paris : la découverte et l'observation des villes et des hommes autour du monde constituent une source constante d'inspiration. Pour elle, l'Art est un vecteur vers une autre dimension, un moyen de faire jaillir la réalité sous-jacente, en sommeil derrière les apparences. Elle affectionne les grands formats et les collages de matière et elle est passionnée par la lumière et le mouvement. Ce qui la fascine le plus est l'énergie que dégage la présence humaine. Elle est dans une démarche de partage et d'échange avec le public.
« Ne dites pas à ma mère que je suis Artiste Peintre, elle croit que je suis Avocat à la cour... J'ai détourné cette citation d'un célèbre publiciste, comme j'aime détourner les panneaux de chantier, casser les codes même s'ils sont civils. »
Jean-Louis LEVY a trouvé dans la peinture son champ de manœuvre. Il peut laisser libre cours à son imagination en utilisant toutes les techniques. Ses supports sont des toiles, des panneaux de chantier et tous matériaux...peinture, vieux journaux, ciment et objets insolites qu'il chine dans les brocantes...juste pour le plaisir de créer librement !
Jean-Louis LEVY a trouvé dans la peinture son champ de manœuvre. Il peut laisser libre cours à son imagination en utilisant toutes les techniques. Ses supports sont des toiles, des panneaux de chantier et tous matériaux...peinture, vieux journaux, ciment et objets insolites qu'il chine dans les brocantes...juste pour le plaisir de créer librement !
L’art de NABARUS est protéiforme. Plusieurs manières s’y côtoient, sous forme de séries qui sont autant de facettes d’un talent épanoui. Les maisons, les gravures, les peintures, les monotypes, sont créés avec le souci, pour chacun d’entre eux, d’explorer en profondeur une technique jusqu’à trouver tous les sens qu’elle peut produire. Ce qui est frappant chez l’artiste c’est que sa passion s’incarne tant dans les thèmes que dans les techniques, les uns se nourrissant des autres pour produire l’œuvre.
Se définissant comme un "peintre expressionniste figurative", Diane Rosaz place la femme, son corps et sa spiritualité au cœur de ses compositions et explore son sujet sous ses multiples facettes, pour mettre en lumière les visages, les mains et les pieds. Elle expose sa peinture dans de nombreux pays, Vénézuela, Nigéria, Afrique du Sud, Norvège, Etats Unis, France.
Le seul chemin qui ait du sens est celui de la Conscience. Conscience de soi, de nos forces, de nos faiblesses. Conscience de ce qui nous constitue, de ce qui nous entoure, de ce qui nous traverse. Sculpter, entre autre, lui permet cela ; s'approcher toujours plus de cet état de Conscience.
Une peintre plasticienne proche de la terre sensible à l'environnement et son lien avec l'humain. Apprentie humaniste et philosophe et en quête de pertinence. Une gourmande d'émerveillement... Tout en continuant la quête du pouls qui nous anime, en lien avec les sensations tactiles, elle entretient une relation étroite avec les matériaux et travaille avec les mains ou les doigts dans la couleur, creusant, griffant la matière. Couche après couche, elle voile puis dévoile, laissant la place belle au repentir, comme une trace de l'histoire dans ses élans et ses doutes enchevêtrés.
Son univers pictural est sombre et rugueux, dérangeant, brutal, frontal, mis en avant par une écriture graphique faite de raclures, de rayures ou d'incisions au cutter. Les pastels sont appuyés et écrasés, symbolisant les lourdeurs, les tâches d'huile difficiles à partir. Ses personnages sont fantomatiques et percutent le regard par leur insistance. Ils questionnent. Peindre est pour elle une autre façon de dire les choses, une liberté d'être. Là où les mots manquent, la peinture s'exprime. Sa démarche picturale s'inscrit dans une contemporanéité émotionnelle.
Femme du sud, Géraldine AURET vit à Montpellier. Après un parcours professionnel riche et dense, elle se consacre aujourd’hui à sa création artistique avec ses « Collections G.». Les G. représentent une féminité et une sensualité intenses. Les couleurs pures et fortes exaltent le motif et lui donnent une posture, un sens, une véritable sensualité. "Ma peinture est la traduction de ma spiritualité, de mes émotions et de mon amour haut et fort de la vie."
Comme Picasso ou Dubuffet, Gérard BOGO reconduit la réalité dans sa nature permanente. Son regard sur la femme est étroitement lié à un dessin fracturé, recomposé, rompu tout en conservant une ligne esthétique majeure. Figurantes de l’abstraction, profils, reflets ou ombres, femmes aux allures altières, cavalières du temps, sont le résultat d’un travail amoureux du dessin et de ses perspectives.
Pour autant, Gérard BOGO n’oublie pas le Flamboyant. Pigmentons la vie de nos sculptures ! Une échappée de couleurs dans la phénoménologie de l’imaginaire.
Pour autant, Gérard BOGO n’oublie pas le Flamboyant. Pigmentons la vie de nos sculptures ! Une échappée de couleurs dans la phénoménologie de l’imaginaire.
Avec sa série H2O Isabelle Chapelain aborde la question de la transmission, thème qui lui est très cher. Transmission familiale bien sûr mais aussi transmission au sens plus large : qu'avons-nous reçu, qu'avons-nous semé, que laisserons-nous aux générations futures ? Le cercle est le symbole de cette réflexion. Il est le maillon de la chaîne, le lien entre le passé et le futur, l'éternel recommencement.
Dès l'âge de 12 ans, Jack FOURNIER dessine et joue au pinceau. Vers 15 ans, il rencontre un peintre russe Rostislav Loukine qui devient son maître et qui lui conseille de suivre des études à l'école des Beaux-Arts de Reims. Les couleurs vives de sa palette expriment bien son caractère. Actuellement à la retraite, Jack FOURNIER continue son chemin toujours dans l'Art. Il est responsable de deux associations : l'une Granges des Arts à Colombey les Deux Eglises et l'autre Tourelles des Arts dans le vieux Chaumont.
Artiste peintre, professeur de dessin, membre du jury au Salon des Arts de Balma et de l‘association « Le Lien ». Après 5 ans d’études à l’Ecole des Beaux Arts de Toulouse, elle en obtient le Grand Prix et une bourse d ‘études. Deux années en Côte d‘Ivoire, en brousse, et une première exposition éclaboussée de lumière. Des peintures, mais surtout des aquarelles. D‘autres expositions : Abidjan, Londres ,Toulouse, Balma.
Depuis 1997 : ouverture de son « Atelier de Dessin », Isabelle donne des cours pour adultes et enfants ; dans la variété des thèmes, des styles et des inspirations.
Depuis 1997 : ouverture de son « Atelier de Dessin », Isabelle donne des cours pour adultes et enfants ; dans la variété des thèmes, des styles et des inspirations.
La recherche artistique de Laurent LAFONTAS l'a amené à expérimenter dans divers domaines et avec différents matériaux : dessin, modelage, sculpture, vidéo et cinéma d'animation. Inscrit dans une démarche environnementale, il assemble différents métaux entre eux et privilégie l'utilisation de matériaux de récupération qui constituent, le plus souvent, le point de départ de ses créations. Actuellement, il réalise des œuvres monumentales, dont la taille ne cesse d'augmenter.
Diplômée de l’Ecole Boulle, Patricia Louchard a travaillé au sein de plusieurs agences d’architecture parisiennes avant de fonder Imagina design à Toulouse en 1993. En 2013, elle part quelques mois à Montréal pour collaborer avec l’agence Ruscio studio. Valoriser les espaces, créer des jeux de lumières, réaliser un mariage subtil des couleurs et des matières, voici le leitmotiv qui anime son quotidien. Elle a choisi ce métier pour donner de l'émotion et faire pétiller le regard des gens. Son objectif : Trouver « l'idée » qui fera de votre espace un lieu unique et révéler ainsi sa valeur ajoutée.
Ayant une démarche structurée, géométrique, son travail s'assoit sur une texture à tendance organique omniprésente. L'ordonnancement des lignes, des couleurs et des reflets génère une sensation d'apaisement. Le noir diffusé dans les blancs, le rouge vi f, le bleu ou le jaune apportent à la perception une profondeur de champ nécessaire.
Son cheminement singulier et atypique n'est que le reflet d'une introspection, d'un regard intérieur, d'une vibration d'âme. Liberté encore...
Son cheminement singulier et atypique n'est que le reflet d'une introspection, d'un regard intérieur, d'une vibration d'âme. Liberté encore...
Qu’elle représente Horse Power, Goûter à la liberté ou l’Habit ne fait pas le moine, l’œuvre du peintre Rolf Saint-Agnès annonce clairement les couleurs : celles du pop art et de sa sainte trinité Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Keith Haring. Pour une décennie, il fit de la Grosse Pomme sa ville d’adoption et du pop art sa religion artistique. Au fil des ans et de ses voyages à travers le monde, le pinceau de l’artiste s’est singularisé. Si le pop art imprègne toujours son art, il n’aliène pas pour autant une personnalité très affirmée. On pourrait comparer son oeuvre au vaisseau des Argonautes. Sans cesse radoubé, le navire ne conservait plus une seule planche originelle mais demeurait pareil à lui-même.
Il a débuté la photographie en 2007 et, très rapidement, son inspiration s'est orientée vers des ambiances énigmatiques. En 2009, la découverte de la photographie d'exploration (explorer des l ieux construits et abandonnés par l'Homme) fut une révélation. Il a toujours été attiré par les notions de traces, de mémoire, et c'est en poussant les portes de certaines bâtisses abandonnées qu'il a découvert des ambiances singulières, chargées d'émotions et de poésie. La photo prend alors tout son sens. Elle est un souvenir et un hommage, la retranscription de l'histoire unique que chaque lieu murmure à son regard...
Artiste peintre professionnelle depuis plus de 21 ans en peinture à l’huile et aquarelle, l’on retrouve dans ses œuvres un travail de coloriste où la composition, par ses contours géométriques blancs ou noirs, participe à l’ensemble de l’œuvre elle-même.
Sa démarche artistique consiste en une suggestion par les formes et les couleurs qui parfois plonge vers une abstraction des fonds avec laquelle ma peinture s’est toujours amusée à flirter…
Sa démarche artistique consiste en une suggestion par les formes et les couleurs qui parfois plonge vers une abstraction des fonds avec laquelle ma peinture s’est toujours amusée à flirter…
Une Abstraction poétique...
Pour O.J. Vincent, il s'agit de faire surgir de la toile la dimension poétique, sensorielle ou spirituelle de tout ce qui nous relie à nous-mêmes et à ce qui nous entoure. Privilégier l'expression vive des émotions. Et donner toute sa place à l'imaginaire. Donner corps à nos voix intérieures et révéler leur musicalité, attraper les rêves en plein vol et tenter d'en capter l'impalpable réalité, entreprendre la traversée des apparences et interroger, jusqu'à l'infime... Pour lui, chaque œuvre est un Ailleurs incarné.
Pour O.J. Vincent, il s'agit de faire surgir de la toile la dimension poétique, sensorielle ou spirituelle de tout ce qui nous relie à nous-mêmes et à ce qui nous entoure. Privilégier l'expression vive des émotions. Et donner toute sa place à l'imaginaire. Donner corps à nos voix intérieures et révéler leur musicalité, attraper les rêves en plein vol et tenter d'en capter l'impalpable réalité, entreprendre la traversée des apparences et interroger, jusqu'à l'infime... Pour lui, chaque œuvre est un Ailleurs incarné.
Valérie Andriantsiferana vit et travaille en région toulousaine. Un temps graphiste dans la presse et la publicité, elle explore en parallèle les techniques de dessin et de peinture dans différents ateliers. C’est en 2011 qu’elle entame un autre chemin où la peinture prend toute sa place. Elle a participé depuis à de nombreuses expositions. Elle a été sélectionnée deux fois à MacParis. Son travail a été montré à Pulsart, a voyagé en Inde, aux Etats-Unis et en Angleterre. "Je suis un être doué de parole mais mon vrai langage est la peinture [...] A travers mes thèmes de prédilection, mon but est d'arriver à marier esthétisme, sens et émotion".
À travers ses photos ou ses travaux de plasticien, l'artiste pénètre le labyrinthe des êtres à la recherche de l'autre Moi, et ce, dans une esthétique omniprésente.
"Toute ma vie j’ai été partagé, pour ne pas dire tiraillé, entre peinture et musique. J’ai fait 10 ans de violon, avant de m’attaquer à la contrebasse. Mon casier musical ne s’arrête pas là, parallèlement à mes études aux beaux-Arts, j’ai fait partie de plusieurs orchestres qui écumaient les bars et les boites de nuit de la ville rose". Ma double vie s’est poursuivie avec bonheur puisque dans le même temps, j’ai décroché mon diplôme de professeur de dessin aux Beaux-Arts, 18 prix de dessin et peinture et le grand prix Lefranc.
Pierre DESENFANT est le Fondateur de la galerie d'art contemporain ART4YOU. Il approfondi ses connaissances en suivant un cursus sur « l'esthétique et l'éthique » à la Sorbonne PARIS. Il cherche à provoquer une émotion initiale brute avant qu'elle ne se transforme en un rêve éveillé au fil des interprétations de détails picturaux. Sa peinture, débarrassée d'un contexte figuratif participe à la création d'un langage où les traits et les formes s'émancipent du réel pour créer un univers onirique.
Michel Gallot s'inscrit dans le mouvement de l'art abstrait contemporain. Son style est
pur et aiguisé, dans la recherche permanente du trait parfait. La plupart du temps il improvise et privilégie la spontanéité. Il peint de façon aléatoire et des éléments plus ou moins figuratifs apparaissent. L'incrustation d'arabesques faites au couteau aère sa toile, lui donne une perspective et une profondeur qui cassent et perturbent la logique du regard. Des silhouettes prennent forme, des paysages urbains, suspendus dans le temps, apparaissent dans des compositions tour à tour abstraites, figuratives, ou aériennes. Son sens artistique, dans la mouvance de l'art abstrait, devient un langage universel.
pur et aiguisé, dans la recherche permanente du trait parfait. La plupart du temps il improvise et privilégie la spontanéité. Il peint de façon aléatoire et des éléments plus ou moins figuratifs apparaissent. L'incrustation d'arabesques faites au couteau aère sa toile, lui donne une perspective et une profondeur qui cassent et perturbent la logique du regard. Des silhouettes prennent forme, des paysages urbains, suspendus dans le temps, apparaissent dans des compositions tour à tour abstraites, figuratives, ou aériennes. Son sens artistique, dans la mouvance de l'art abstrait, devient un langage universel.
"L'Œuvre-Trace"
Des vibrations universelles à la Trace : une démarche à la fois intime et globale révélée
par le geste. Un Art spontané en quête d'harmonie. Il est en recherche constante du "geste" ultime, dans une quête de traces différentes, personnelles et intimes, qui pourtant résonnent au cœur d'un Tout universel, l'amenant vers une volonté de communion et d'élévation spirituelle. L'essentiel est la puissance et la pureté de l'intention. Si l'élan est bon, la vibration et la trace seront belles. Tout est Energie subtile.
Des vibrations universelles à la Trace : une démarche à la fois intime et globale révélée
par le geste. Un Art spontané en quête d'harmonie. Il est en recherche constante du "geste" ultime, dans une quête de traces différentes, personnelles et intimes, qui pourtant résonnent au cœur d'un Tout universel, l'amenant vers une volonté de communion et d'élévation spirituelle. L'essentiel est la puissance et la pureté de l'intention. Si l'élan est bon, la vibration et la trace seront belles. Tout est Energie subtile.
D'origine italienne, Antonio LA PICCIRELLA a suivi une formation scientifique. A sa retraite, il souhaite diversifier sa culture et se convertit à l'Art en commençant par le dessin au crayon, puis l'encre de chine pour enfin se consacrer à la peinture à l'huile. Il choisit la sculpture, et plus précisément la technique du béton cellulaire. Depuis maintenant 6 ans, la sculpture continue de le passionner chaque jour !
Installée à Lanta, dans la banlieue de Toulouse, Steliana MOCANU est une artiste discrète d'une grande humanité. Sa peinture en témoigne, ne pouvant s'empêcher d'inclure sensiblement, la présence de l'homme dans son œuvre abstraite. Ombres joyeuses, que sa palette colorée de ses tableaux, alliée à un solide sens de la construction et de la lumière, affirment comme un travail de grande qualité. Originaire de Roumanie, elle présente un œuvre lyrique universelle, presque magique, portant celui qui regarde, à la réflexion devant ce monde métaphorique... Bref un art de vivre comme une douceur.
Les fruits anthropomorphiques sont au cœur de sa démarche artistique. Souvent liée à la gourmandise et à la sensualité, cette synergie ne manque pas de solliciter des sentiments plus profonds, inhérents à la condition humaine. C'est à travers le bronze qu'il a choisi de cristalliser ses visions créatrices.
Les créations de Cercus présentent un graphisme original et contemporain, par l'utilisation de nouvelles techniques et procédés. Jean-Baptiste débute son cursus dans le domaine du bois et de l'ameublement en 2003, au Lycée des Métiers d'Arts de Revel. Il y acquiert un goût prononcé pour la création de décors et de motifs alliant le bois à divers matériaux et s'attache particulièrement au travail de finitions.
Après avoir rejoint le collectif de créateurs "L'Atelier Folie Douce", il s'installe comme indépendant à Toulouse et se spécialise dans la marqueterie de paille.
Après avoir rejoint le collectif de créateurs "L'Atelier Folie Douce", il s'installe comme indépendant à Toulouse et se spécialise dans la marqueterie de paille.
Les peintures abstraites de Benoît THIEL dévoilent une imagination et une expression singulière. Il détourne différents outils de leur destination première pour se les approprier et ainsi faire émerger, par des techniques de grattage, de superposition de matières et de couleurs, une certaine transparence et légèreté de l'œuvre. Il laisse chaque visiteur libre dans son ressenti, son imagination face au graphisme et aux couleurs.
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